BLUES
El blues es considerado el padre del rock y ha sido el responsable de impregnar los corazones de múltiples músicos famosos. En términos generales, se define al blues como el estilo musical que se originó a partir de la migración africana durante el esclavismo en América del norte y se distingue por acordes de guitarra melancólicos y crudos, además de letras que narran peripecias de la vida rural y urbana, el desamor y las injusticias sociales. La historia del blues se remonta a mucho antes de que los Rolling Stones, John Mayall y Eric Clapton exploraran y extendieran el género durante el periodo que se conoce como la "invasión británica", cuando la esclavitud y el racismo proliferaban en Norteamérica (más específicamente en el sur de Estados Unidos), y la música era una manera de lidiar con la marginación de la época. No fue hasta 1863 que Abraham Lincoln creó la Proclamación de Emancipación, liberando definitivamente a todos aquellos víctimas del esclavismo.
A pesar de la importancia del blues en la cultura occidental, hay pocos datos concisos sobre sus orígenes, en gran parte por la discriminación racial que regía los siglos anteriores y afectó seriamente la educación de los sectores afroamericanos. Existe controversia sobre el nacimiento del blues; no se puede citar un año o época exacta en la que surgió, ni un tipo específico de música africana que lo precedió. La leyenda cuenta que el músico W.C. Handy, quien sería conocido posteriormente como "el Padre del Blues", quedó cautivado por un guitarrista tocando con un cuchillo y cantando en una estación de tren en Mississippi en 1903; 2003 se conmemora como el año del blues por el centenario de este acontecimiento. Alrededor de la misma época, el pionero de la musicología John Lomax realizó un recorrido por Estados Unidos en el que registró miles de canciones originales, lo cual fue un paso clave para la conservación de la música folklórica de Norteamérica.
Típicamente, el blues se caracteriza por progresiones específicas de cuerdas, de las cuales la más común es la de doce barras, que consiste en grupos de tres acordes tocados sobre un esquema de doce barras. Un ejemplo de esta estructura es "Love in Vain", de la leyenda blues Robert Johnson.
La mayoría de los expertos consideran que África es, objetivamente, la cuna del blues, y a la vez reconocen que el fenómeno cultural de la forsoza migración africana a América es el factor que detonó la evolución del género. Las canciones que los trabajadores africanos cantaban durante sus jornadas (apodadas "spirituals"), muestran algunas de las características típicas del blues moderno, que constantemente habla de las dificultades de la vida del periodo y algunas veces se fusionaban con motivos religiosos, distintivos de géneros primos como el Gospel.
Las primeras menciones del blues como un estilo definido datan de principios del finales del siglo XIX y principios del XX, por ejemplo, la canción de 1908 "I Got The Blues" de Antonio Maggio es la primera melodía registrada que emplea el término directamente, y la primera grabación por un(a) cantante de color es "Crazy Blues" de Perry Bradford, cantada por Mamie Smith en 1920. Si bien el blues comenzó a desarrollar varias vertientes, hay elementos que todas sus versiones comparten debido la idiosincrasia que lo caracteriza. Entre las variantes más reconocibles están el Delta blues, Chicago blues, boogie woogie, New Orleans blues y Memphis blues.
Algunos de los nombres más relevantes de la transición del blues a la música popular son Mamie Smith, Bessie Smith, Ma Rainey, Ralph Peer, Papa Charlie Jackson, Daddy Stovepipe, Blind Lemon Jefferson, Charley Patton, Robert Johnson, Eddie Durham, Muddy Waters, T Bone Walker, Howlin' Wolf, B.B. King y John Lee Hooker. A partir de que el blues definió su identidad y pasó al dominio público, no pasó mucho tiempo para que artistas blancos adoptaran y modificaran el estilo, dos ejemplos de esto son Elvis Presley y el guitarrista texano Stevie Ray Vaughn.
El blues se transformó en una parte importante de la cultura popular norteamericana, que era relativamente nueva durante los veintes, primero con las grabaciones de las cantantes clásicas y después con los músicos folk del Mississippi Delta, el Piedmont de Carolina y Texas. Una buena parte de la comunidad afroamericana dejó el sur de Estados Unidos entre 1915 y 1940 en búsqueda de mejores condiciones de vida, y por lo tanto, el blues viajó con ellos y se estableció en los centros urbanos del norte, particularmente Chicago. El lado más citadino y eléctrico del blues que opacó los orígenes rurales del género alimentó directamente el rock n' roll y lo que posteriormente se convertiría en rhythm & blues. Con el regreso del folk en los cincuentas y sesentas, la audiencia blanca "redescubrió" y trajo un nuevo aire al folk blues y lo volvió la piedra angular del tremendamente popular movimiento blues rock estadounidense y británico de las siguientes décadas.
Es difícil resumir la historia del blues, el escritor Francis Davis menciona que el género sucedió "como un resultado de un grupo de personas que fue forzado a integrarse en la historia de otro". Viéndolo de esta manera, el blues es la historia de la comunidad Afro Americana contada a través de su música más popular, y sobre cómo la cultura negra ascendió a una posición de gran importancia e influencia en Norteamérica, un documento de la lucha y el conflicto.
A pesar de la importancia del blues en la cultura occidental, hay pocos datos concisos sobre sus orígenes, en gran parte por la discriminación racial que regía los siglos anteriores y afectó seriamente la educación de los sectores afroamericanos. Existe controversia sobre el nacimiento del blues; no se puede citar un año o época exacta en la que surgió, ni un tipo específico de música africana que lo precedió. La leyenda cuenta que el músico W.C. Handy, quien sería conocido posteriormente como "el Padre del Blues", quedó cautivado por un guitarrista tocando con un cuchillo y cantando en una estación de tren en Mississippi en 1903; 2003 se conmemora como el año del blues por el centenario de este acontecimiento. Alrededor de la misma época, el pionero de la musicología John Lomax realizó un recorrido por Estados Unidos en el que registró miles de canciones originales, lo cual fue un paso clave para la conservación de la música folklórica de Norteamérica.
Típicamente, el blues se caracteriza por progresiones específicas de cuerdas, de las cuales la más común es la de doce barras, que consiste en grupos de tres acordes tocados sobre un esquema de doce barras. Un ejemplo de esta estructura es "Love in Vain", de la leyenda blues Robert Johnson.
La mayoría de los expertos consideran que África es, objetivamente, la cuna del blues, y a la vez reconocen que el fenómeno cultural de la forsoza migración africana a América es el factor que detonó la evolución del género. Las canciones que los trabajadores africanos cantaban durante sus jornadas (apodadas "spirituals"), muestran algunas de las características típicas del blues moderno, que constantemente habla de las dificultades de la vida del periodo y algunas veces se fusionaban con motivos religiosos, distintivos de géneros primos como el Gospel.
Las primeras menciones del blues como un estilo definido datan de principios del finales del siglo XIX y principios del XX, por ejemplo, la canción de 1908 "I Got The Blues" de Antonio Maggio es la primera melodía registrada que emplea el término directamente, y la primera grabación por un(a) cantante de color es "Crazy Blues" de Perry Bradford, cantada por Mamie Smith en 1920. Si bien el blues comenzó a desarrollar varias vertientes, hay elementos que todas sus versiones comparten debido la idiosincrasia que lo caracteriza. Entre las variantes más reconocibles están el Delta blues, Chicago blues, boogie woogie, New Orleans blues y Memphis blues.
Algunos de los nombres más relevantes de la transición del blues a la música popular son Mamie Smith, Bessie Smith, Ma Rainey, Ralph Peer, Papa Charlie Jackson, Daddy Stovepipe, Blind Lemon Jefferson, Charley Patton, Robert Johnson, Eddie Durham, Muddy Waters, T Bone Walker, Howlin' Wolf, B.B. King y John Lee Hooker. A partir de que el blues definió su identidad y pasó al dominio público, no pasó mucho tiempo para que artistas blancos adoptaran y modificaran el estilo, dos ejemplos de esto son Elvis Presley y el guitarrista texano Stevie Ray Vaughn.
El blues se transformó en una parte importante de la cultura popular norteamericana, que era relativamente nueva durante los veintes, primero con las grabaciones de las cantantes clásicas y después con los músicos folk del Mississippi Delta, el Piedmont de Carolina y Texas. Una buena parte de la comunidad afroamericana dejó el sur de Estados Unidos entre 1915 y 1940 en búsqueda de mejores condiciones de vida, y por lo tanto, el blues viajó con ellos y se estableció en los centros urbanos del norte, particularmente Chicago. El lado más citadino y eléctrico del blues que opacó los orígenes rurales del género alimentó directamente el rock n' roll y lo que posteriormente se convertiría en rhythm & blues. Con el regreso del folk en los cincuentas y sesentas, la audiencia blanca "redescubrió" y trajo un nuevo aire al folk blues y lo volvió la piedra angular del tremendamente popular movimiento blues rock estadounidense y británico de las siguientes décadas.
Es difícil resumir la historia del blues, el escritor Francis Davis menciona que el género sucedió "como un resultado de un grupo de personas que fue forzado a integrarse en la historia de otro". Viéndolo de esta manera, el blues es la historia de la comunidad Afro Americana contada a través de su música más popular, y sobre cómo la cultura negra ascendió a una posición de gran importancia e influencia en Norteamérica, un documento de la lucha y el conflicto.
Country
La música country es un estilo musical que nace a raíz de la influencia de otros estilos musicales. Su nacimiento hay que buscarlo en Estados Unidos. A principios de la década de 1930, comienza a extenderse a otros países de habla inglesa, como es el caso de Australia, Canadá y Nueva Zelanda.
En todos estos países, la música country se asienta rápidamente, porque tienen elementos de folklore parecidos.
El momento exacto en que todo este tipo de baladas anglo celtas comienzan a evolucionar hacia el nuevo estilo country no es sencillo de determinar. Una de las primeras figuras en las que aprecian matices de música celta es Eck Robertson. Era el año 1922, y todavía en él se aprecian muchos elementos folclóricos.
Otros nombres importantes de esta primera época de la música country son Carter Family y Jimmie Rodgers. Jimmie Rodgers fue el pionero, tocando con músicos negros como Louis Armstrong.
Los Carter
La familia Carter (The Carter Family) fue la primera en grabar en disco una canción country, junto a Jimmie Rodgers, consolidando este género musical con el nombre inicial de “hillbilly”, que luego dejaría paso al de simplemente “country”.
La evolución de la música country
En la década de los años 40, Earl Scruggs fue una auténtica revolución, por su peculiar forma de tocar el bajo. Utilizaba varias púas en los dedos, tocando las cuerdas independientemente y alcanzando velocidades muy rápidas. La música “bluegrass” cambiaba de nivel.
Stephen Foster
Foster sería el autor de temas tan importantes y emblemáticos como “Oh Susana”, ‘Camptown Races’, “Hard Times Come Again No More’, o ‘Beautiful Dreamer’.
Aunque nos dejó muy joven, a la edad de 37 años, sigue siendo una referencia en todo el cancionero popular americano, y una influencia muy impportante en la música pop del siglo XIX y principios del siglo XX, así como en la música country posterior.
El western y los Cowboy
Muchas personas asocian la música country a las películas sobre Cowboy. Los “vaqueros” que conducen el ganado con su gorro y por las noches tocan y bailan este estilo de música.
La verdad es que el mundo western es una importante influencia para la música country. No sólo por la estética de cowboy cinematográfico que se iría incorporando, sino por la temática que refleja este mundo agreste y dado a solucionar a tiros las disputas.
En el cine hemos visto a estos personajes con el revólver colgado del cinto, contando y cantando románticas historias de cowboys, caballos, indios, cantinas, duelos, bellas señoritas y, en general, mostrando el estilo de vida de la conquista del Oeste.
Algunas influencias en la música country
- Tanto la música góspel blanca, como la sureña. Han sido una gran influencia en la música country, desde sus orígenes a la actualidad. Son constantes los matices religiosos y cristianos y la temática de tipo religioso.
- Este estilo musical tiene su origen en Louisiana. La música cajun combina alegres temas bailables con valses, con el acordeón característico. Si analizamos bien la música country veremos muchas muestras musicales de música cajun.
- Steel Guitar, de la música hawaiana. La música hawaiana ya fue influyendo en la música americana ya desde finales del siglo XIX. Sus ritmos cadenciosos y la prolongación de las notas, y después el desarrollo de la “pedal steel guitar eléctrica”, como su nombre indica, con pedales.
- La música mexicana de guitarra. Es muy sencillo ver la influencia de la música mexicana de guitarra en la música country.
- La música centroeuropea. A causa de las emigraciones centroeuropeas,
suizos, alemanes, austriacos, checos y demás, influenciaron de una manera relevante a la música country.
- El western swing. Este estilo musical nace en los años 20 y tiene su apogeo en toda Europa y Estados Unidos a partir de la Segunda Guerra Mundial. Básicamente consiste en una combinación ecléctica de música hillbilly, western-cowboy, polka, música folk, jazz dixieland de Nueva Orleans, rag y blues mezclado con un swing jazzy.
- La adición del nuevo estilo “boogie” llevó a artistas como Moon Mullican, una de las figuras del western singer, a ser precursor del nuevo estilo que se llamaría rockabilly. Todavía vemos la influencia de estos sonidos en algunos artistas actuales, como Asleep At The Wheel, Willie Nelson, Merle Haggard y tantos otros.
suizos, alemanes, austriacos, checos y demás, influenciaron de una manera relevante a la música country.
Los instrumentos
La música country tradicional se tocaba en un principio con instrumentos de cuerda, como la guitarra, el banjo, el violín sencillo (fiddle) y el contrabajo. Como hemos visto, también se utilizaba frecuentemente el acordeón (de influencia francesa para la música cajún), y la armónica. En el country moderno se utilizan sobre todo los instrumentos electrónicos, como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico, los teclados, el dobro, o la steel guitar.
Los años 60 y el sonido Nashville
En la década de 1960 la música country se convirtió en una industria, centrada en Nashville (Tennessee), que movía millones de dólares. Con la producción de algunos direcotres como Chet Atkins, Owen Bradley y, posteriormente, Billy Sherrill, el denominado sonido Nashville acercó el country a un público más diverso.
Los artistas más importantes del momento serían Ernest Tubb, Patsy Cline, Jim Reeves y, posteriormente, Tammy Wynette, Loretta Lynn, y Charlie Rich.
Variantes de la música country
Las variantes principales de este estilo musical country serían la música americana, el bluegrass, el contry alternativo, el country el coop y rock, el cowboy, el cowk punk y el hillbilly.
Algunos nombres actuales música country
Dixie Chicks
En los primeros años de los 2000 la música country fue dominada por este trío de chicas liberales que se desnudaban en las revistas y cantaban por la paz. Se dice que es la banda femenina que más discos ha vendido.
Taylor Swift
Aunque su música ha estado impregnada de matices country últimamente sus discos son más cercanos al pop.
Shania Twain
Fue la autora de “Come On Over”, el disco más vendido en todo el mundo durante la década de los 90. Los 16 temas de este disco pudieron ser singles todos ellos.
Carrie Underwood
Con un tono potente de voz, “Some Hearts”, su disco debut de 2005, fue catalogado por Billboard como el disco country de la década de los 2000.
Temas de la música country para escuchar…y bailar
Johnny Cash — Hurt
Johnny Cash — I Walk the Line
Taylor Swift — Love Story
Dolly Parton — Jolene
Carrie Underwood — Before He Cheats
Lady Antebellum — Need You Now
Johnny Cash — Personal Jesus
Cumbia
La cumbia surgió del sincretismo musical y cultural de aborígenes colombianos, negros africanos y españoles, en la costa caribe colombiana. Su origen parece remontarse al siglo XVIII, cuando se dio la asociación entre las melodías indígenas (de características melancólicas) con los ritmos africanos (que sobresalían por su alegría y por la impetuosa resonancia de los tambores).
La trata de personas africanas esclavizadas se desarrolló principalmente en los países antillanos, pero también en Suramérica y Centroamérica: en Brasil, Colombia, Panamá y Venezuela, fueron los países que mayor cantidad de esclavos africanos recibieron. Esto influyó notablemente en la formación de las danzas folclóricas y así se puede encontrar en todos estos países danzas de origen africano, o que ya fusionadas con otras conservan aún las características africanas.
Aún hoy los cumbiamberos se alumbran con antorchas o velas. Esta costumbre parece venir desde la época de la Colonia.
Quizás sea en Colombia la cumbia, la danza que, desvinculada ya de los elementos místicos africanos tenga más popularidad y se cultive con mayor fuerza. Puede muy bien compararse con las comparsas cubanas, ya que las cumbiambas, organizadas en época de carnaval, desfilan por las calles agrupando a veces cien o más cumbiamberos.
En 2006, la cumbia fue nominada como «símbolo cultural de Colombia» en el concurso organizado por la revista Semana, de Bogotá (Colombia).
Instrumentos
La forma más antigua de la cumbia es exclusivamente instrumental, ejecutada tradicionalmente por el conjunto de tambores: llamador, alegre y tambora, así como la flauta de millo, las gaitas (macho y hembra), las maracas y el guache.
Cada cumbiamba hace sus evoluciones y crea sus figuras, al igual que sucede en las comparsas cubanas, sin embargo se pueden señalar algunas:
Machete en alto: El hombre mantiene el machete en su mano derecha en alto, mientras con la izquierda rodea los hombros de su compañera, así giran y avanzan.
El pañuelo: Ambos cogen el pañuelo con la mano izquierda; tomando él el machete y ella las velas con la derecha. Van avanzando mientras bailan, al final el hombre se coloca el pañuelo alrededor del cuello.
Pasos
Se ejecutan dos pasos básicos, caminar al compás del tambor ―o lo que sería en la comparsa, «arrollar»― y el famoso paso de cumbia que ha pasado a otros países del continente, y que consiste en ir marcando con el pie derecho plano al frente, mientras el izquierdo, apoyado en la media punta va dando pequeños impulsos (semejantes al «bus stop» europeo).
En sí la esencia del paso no está tanto en los pies, sino en cómo el cuerpo se mueve, especialmente las caderas.
El paso de cumbia es característico y recibe la danza el nombre por el paso, se ejecuta a dos tiempos:
El derecho avanza plano deslizado por el piso.
El izquierdo, apoyado en el metatarso adelanta un poco hasta colocarse al lado del derecho.
Así sucesivamente se va avanzando, se puede hacer también en el lugar, marcando a los lados, girando, etcétera.
Según unos profesores colombianos, la mujer marca los dos pasos a pie plano y con mucho movimiento de cadera, pero con el torso erguido, mientras el hombre marca el izquierdo en la forma ya descrita y se mueve más libremente, exagerando y agradando los movimientos de torso, hombros, flexiones, etcétera. Según ellos, la mujer representa a la raza india y el hombre a la raza negra.
Difusión en Latinoamérica
En el siglo XX la cumbia se convirtió en un «ritmo» (o sea, un género musical) popular en distintos países latinoamericanos, donde ha experimentado distintas adaptaciones como la
cumbia venezolana,
cumbia uruguaya,
cumbia salvadoreña,
cumbia chilena,
cumbia ecuatoriana,
cumbia mexicana,
cumbia peruana,
cumbia argentina, entre otras.
Cumbias más conocidas
Las cumbias antiguas más famosas tienen nombres curiosos: «Agua pa’ mí», «El patuleco» (que quiere decir ‘el cojo’) y «La güepa gé».
«Caballo viejo» (Simón Díaz).
«Cómo te voy a olvidar» (Los Ángeles Azules).
«Los caminos de la vida» (Los Ángeles Azules).
«El diario de un borracho» (Alfredo Gutiérrez).
«Que nadie sepa mi sufrir» (Sonora Dinamita).
«El año viejo» (Tony Camargo y Crescencio Salcedo).
«El jornalero» (Octavio Mesa).
«Jugo de piña» (El Super Show de los Vásquez).
«La cumbia del garrote» (Los del Garrote).
«Me llamo Raquel» (Pura Guacharaca).
«Si quieres llorar» (Calle 8).
«Tiene espinas el rosal» (Grupo Cañaveral).[1]
Disco
Este es un género que aun es recordado con alegría y nostalgia, muy popular en décadas anteriores que abrió paso a grandes artistas de cultura popular, entre los que encontramos actores, canciones exitosas y películas.
Este género se deriva de ritmos como rhythm y blues, además de contar con la influencia del funck y soul. Su mayor apogeo fue en la década de los 70 y constantemente era tocada en discotecas, en las fiestas era de gran aceptación debido a que las personas disfrutaban y mostraban innumerables pasos de baile.
Historia de la música disco
Este género se di a conocer a finales de los años 60, en donde el Soul dominaba todo el ámbito musical. En este tiempo surgieron varios artistas que ayudaron en la formación que finalmente se convertiría en la música disco que actualmente conocemos.
El Soul proveniente de Filadelfia destaco debido a que la mayoría de sus percusiones eran de instrumentos de cuerda, un sonidoo psicodélico que con el paso del tiempo seria característico de un estilo enérgico como el de la música disco. La corriente proveniente de Nueva York fue determinante para crear hits de las discotecas.
El cantante de Soul Barry White, era caracterizado por una voz varonil y grave, considerado uno de los músicos que jugaron un papel importante en la transformación de ambos géneros.
Fue hasta el año 1,975 donde la música disco tuvo plena aceptación otorgando varios éxitos y artistas reconocidos. Muchas disqueras al observar el éxito que estaba logrando este género no dudaron en imponer diversas canciones a sus grupos y cantantes más destacados, consiguiendo una gran aceptación en su debido momento.
Muchos entraban en este estilo por su propia voluntad, aumentando el amplio repertorio de hits. De esta manera ayudaron a ampliar la diversión en clubes nocturnos.
Bee Gees fue uno de los grupos más celebres, que siguen siendo recordados por la popularidad de sus canciones como “Stayin Alive” que es un himno para todos los amantes de la música de los 70´s.
Pronto se aceptó la fusión de la música disco con variedad de géneros, aquellos que incluyen ritmos latinos como el merengue y la salsa, dando cabida a melodías llenas de energía y sabor, que han dado paso a innumerables coreografías.
Los Rolling Stone que es una agrupación muy conocida en el rock tuvo su desliz, al crear la canción “Miss You”, lo mismo ocurrió con Kiss al momento de crear el éxito “I was made for loving you”.
En los años 80, la mercadotecnia era desarrollada en base a la música disco y la aparición de nuevos estímulos musicales, como lo es el Techno y Dance que crearon un enorme sentimiento que iba en contra del género.
Luego aparecieron melodías provenientes de música alternativa como el Hip Hop, el R&B, Variaciones de pop, en donde resalta en Punk.
El disco continuaba dando frutos con diferentes éxitos como “Thriller” y “Billy Jean, ambas de Michael Jakson, “I´m so excited” de The Pinted Sisters, “Conga” de Gloria Estefan, entre otras pero era notable que los años dorados ya habían pasado.
Las influencias del disco fueron notorias mediante características a mediados de la década de los 90’s, En donde las canciones actuales intentaban rescatar su aceptación sin llegar a profundizar del todo en el género.
En aquellas épocas el grunge fue la escena musical, que dio origen a grupos de rock como Nirvana, en donde sus composiciones diferían mucho del espíritu alegre que hemos visto en este artículo. Sin embargo este sigue presente en nuestros días.
La película “Fiebre de sábado por la noche “ en el año 1,977 que fue protagonizada por John Travoltra, el cual se convirtió en un gran fenómeno cultural, pues contaba un estilo de vida basado completamente en la música disco.
Las canciones, forma de bailar y su vestimenta, fueron la influencia en los jóvenes de dicha generación. Estos hacían más popular al género del que muchos se volvieron partidarios. La banda sonora estuvo a cargo de los Bee Gees, que gracias a su filme pudieron posicionar cinco de sus canciones en el Top 10 de lo Billboard. Algo que ningún otro artista ha logrado a hacer.
Los mejores exponentes de la música disco
Cada género cuenta con grandes exponentes, que hacen que sus éxitos musicales logren la aceptación de todo su público, entre ellos encontramos a los siguientes:
El villaje People, fue un grupo que tuvo gran aceptación debido a su peculiar vestuario y sus grandes canciones que los caracterizaban. Este sexteto de hombres fue popular en los 70´s, por asumir personalidades a través de sus disfraces, los que se basaban en roles de indio americano, policías, militares, vaqueros, constructores y motociclistas. Lo cual origino la identificación como una agrupación con inclinaciones homosexuales.
Uno de sus más grandes éxitos fue YMCA, que hace referencia a una asociación cristiana que otorga ayuda a los jóvenes.
El grupo ABBA proveniente de Suecia incursiono de una manera positiva en este género, es considerado otro gran exponente de la música disco, la cual es muy recordada debido a su canción “Gimmel Gimmel gimmel”, de la cual fue rescatada su intro hace unos años para la realización de la canción de Madonna “Hang up”
Michael Jackson junto a sus hermanos formaron el grupo Los Jackson 5, que fue otra influencia muy importante en el género. “Shake your body down (To the ground), es una canción famosa de los 70´s y considerada uno de sus grandes éxitos.
Otro que se hizo notar de gran manera fue Rod Stewart con “Da ya thing I´m sexy”, que fue
Considerado un ejemplo de los ritmos y las características esenciales que componen este excelente genero.
Todo artículo que hable sobre los éxitos de la música disco no puede estar completo sin una canción de Bee Gees. Como mencionamos con anterioridad “Stayin Alive”, es una canción que resalta por su melodía relajada en la que se nota el uso de la percusión en cuerdas.
Kiss con “I was made for loving you” es considerada una canción llena de vitalidad que hace bailar a cualquiera, convirtiéndolo en uno de los éxitos más grandes del rock.
Gloria Gaynor con su éxito “Iwill survive” fue considerada una gran exponente que no solo se caracterizo por la música disco sino por ser considerada una de las melodías más representativas de la comunidad gay.
Electrónica
Se conoce como música electrónica a toda la música creada a través de instrumentos electrónicos, como sampleadores, ordenadores, sintetizadores, etc. La música electrónica nace a final del siglo XXI y comienzos del siglo XX. El primer dispositivo en grabar un sonido electrónico fue el fonoautógrafo, patentado en el año 1857 por Édouard-Léon Scott de Martinville. Ya en el año 1960, esta música se empieza a comercializar de manera intensa en el mundo, con la accesibilidad del sintetizador. En el año 1963 Ron Grainer junto con Delia Derbyshire crearon la primera melodía electrónica, era el tema musical de la serie de TV Doctor Who.
Este tipo de música en los últimos 30 años ha tenido gran popularidad a nivel mundial, creando distintos estilos dentro del mismo género de música electrónica. Hoy en día la creación de bandas como el estilo de Nirvana, U2, Queen, es escasa. La música electrónica para muchos es el desarrollo de los instrumentos musicales tangibles. Gracias a los sampleadores y a la cantidad de softwares de grabación que existen, se puede emular distintos sonidos casi idénticos al original. Por ejemplo puedo grabar una melodía en guitarra para hacer una canción de música electrónica. La música electrónica no tiene limitaciones, uno de las grandes virtudes es que puedes simular instrumentos sin ser experto. Por ejemplo, puedes tener un sonido de un saxo y puedes armar una melodía, sin tener la necesidad de saber tocar el saxo.
Este fue el primer sintetizador desarrollado por Olsen y Belar en el año 1955.
En los años 80, los primeros estilos de música electrónica que empezaron aparecer fueron el Techno junto con el House. El House nace en Chicago, Estados Unidos, orientado al público afroamericano, luego en los años 90 llega a Europa mezclándose con el pop, originando gran popularidad. El house proviene de una mezcla entre el Soul y Funk, con bajos sintetizados potentes, percusiones parecidas a la música disco y con vocales con filtros reverb o delay. El Techno nace en Detroit, Estados Unidos, este género nace basado en el uso experimental de los sintetizadores, con influencia del funk, free jazz. A esto se le añade la temática del corte futurista y de ciencia ficción. Muchas veces se confunde en Techno con el Trance o Dance. Si quieres saber más acerca de este estilo, puedes visitar la siguiente página.
Con el paso de los años estas dos grandes expresiones de la música electrónica dieron pie para un sin fin de distintos géneros tales como, Tech House, Deep House,Drum’n’bass, Hardtrance, Acid, Minimal, ect. Si quieres conocer más estilos de música electrónica visita la siguiente página. Como podemos apreciar la música electrónica nace a través de corrientes musicales ya existentes, como el funk, soul, jazz, disco, new age, etc. Una de las grandes ventajas de este estilo es que no se requiere instrumentos musicales sofisticados y caros, solo un sintetizador.
Si quieres empezar a probar este nuevo estilo de música, existen muchos software que te ayudarán a entrar a este nuevo concepto que no tiene limitaciones. Entre ellos están Ableton Live, Fruity Loops y Logic Pro. Solo necesitarás tener el software y empezar a volar tu creatividad.
Flamenco
onmouseover="this.width=500;this.height=400;" onmouseout="this.width=100;this.height=80;" width="100" height="80" alt="" /> Hoy en día el lugar por excelencia para ver flamenco es en los tablaos, aquí se improvisa y se crea.
Los artistas se expresan y el público puede apreciar este arte.
EL flamenco se improvisa pero para poder improvisar se necesitan muchos años de estudio y ensayos.
Cada artista conoce un código y un lenguaje, conoce los diferentes palos flamencos, la estructura de cante en cada uno de ellos, y a partir de este código y lenguaje se puede improvisar en un escenario.
El flamenco no es folklore.
El flamenco es una expresión artística que nace de la mezcla de muchas culturas: la árabe, la judía, la de los gitanos (que llegaron a España en el siglo XV y muchos se quedaron en Andalucía). Y con la cultura andaluza.
De esa mezcolanza cultural que se dio en Andalucía surgió el Flamenco.
La cuna del flamenco fue Andalucía. Allí empezó y se desarrolló este arte que, con el tiempo, se ha extendido, convirtiéndose en una manifestación artística universal.
Si está claro donde nació, ocurre todo lo contrario si queremos saber cuando nació, porque no empezó en un año concreto, fue creándose poco a poco con todas esas mezclas de culturas y desde hace aproximadamente dos siglos es cuando se empieza a expresar como lo conocemos hoy día.
Podemos decir que el flamenco es una música muy joven, porque dos siglos es muy poco tiempo dentro de la historia de la música. Aunque hay noticias documentadas, hacía el año 1770, en las que cuentan que se celebraban algunas fiestas y reuniones en las que los gitanos exhibían bailes y cantes que fueron los antecedentes del flamenco que hoy conocemos
Cante
Cante jondo.
Según el diccionario de la RAE, el "cante jondo" es "el más genuino cante andaluz, de profundo sentimiento".
Este diccionario recoge como equivalentes las locuciones "cante jondo" o "cante hondo", lo que avala que el término "jondo" no es más que la forma dialectal andaluza de la palabra "hondo", con su característica aspiración de la h proveniente de f inicial.
Sin embargo Máximo José Kahn llegó a sostener que el término "jondo" procede de la locución hebrea "jom-tob" o "yom-tob", desinencia de algunos cantos sinagogales.
Según García Matos e Hipólito Rossy, no todo cante flamenco es cante jondo.
Manuel de Falla consideraba que el cante jondo era el cante antiguo, mientras que el cante flamenco era el moderno.
Se denomina "cante" a la "acción o efecto de cantar cualquier canto andaluz", definiendo "cante flamenco" como "el canto andaluz agitanado" y el cante jondo como "el canto más genuino andaluz, de profundo sentimiento".
Al intérprete de cante flamenco se le llama cantaor en vez de cantante, con la pérdida de la de intervocálica característica del dialecto andaluz.
El fandango, que en el siglo XVII era el cante y baile más extendido por toda España, con el tiempo acabó generando variantes locales y comarcales, especialmente en la provincia de Huelva.
En la Alta Andalucía y zonas limítrofes los fandangos se acompañaban con la bandola, instrumento con el que se acompañaba siguiendo un compás regular que permitía el baile y de cuyo nombre deriva el estilo "abandolao".
De este modo surgieron los fandangos de Lucena, los zánganos de Puente Genil, las malagueñas primitivas, las rondeñas, las jaberas, los jabegotes, los verdiales, el chacarrá, la granaína, el taranto y la taranta. A causa de la expansión de las sevillanas en la Baja Andalucía, el fandango fue perdiendo su papel de soporte del baile, lo que permitió un mayor lucimiento y libertad del cantaor, generándose en el siglo XX multitud de fandangos de creación personal.
Asimismo, miles de campesinos andaluces, especialmente de las provincias de Andalucía Oriental, emigraron a los yacimientos mineros murcianos, donde los tarantos y las tarantas evolucionaron. La Tarante de Linares, evolucionó hacia la minera de la Unión, la cartagenera y la levantica.
En la época de los cafés cantantes, algunos de estos cantes, se desligaron del baile y se adquirieron un compás libre, que permitía el lucimiento de los intérpretes. El gran impulsor de este proceso fue Antonio Chacón, quien desarrolló versiones preciosistas de malagueñas, granaínas y cantes mineros.
La estilización del romance y de los pliegos de cordel dio lugar al corrido. La extracción de los romances de cuartetas o de tres versos significativos dio lugar a las tonás primitivas, a la caña y al polo, que comparten métrica y melodía pero que difieren en su ejecución. El acompañamiento de la guitarra les dio un compás que las hizo bailables. Se cree que su origen estuvo en Ronda, ciudad de la Alta Andalucía cercana a la Baja Andalucía y muy relacionada con ella, y que desde allí llegaron al arrabal sevillano de Triana, con gran tradición de corridos, donde se transformaron en la soleá. De la interpretación festiva de corridos y soleares surgieron en Triana los jaleos, que viajaron a Extremadura y que en Jerez y Utrera derivaron en la bulería, desde donde se difundieron por toda la Baja Andalucía, generando variantes locales.
En los grandes puertos andaluces de Cádiz, Málaga y Sevilla se desarrollaron los tangos y los tientos, que tienen una gran influencia de la música negra americana. Asimismo en Cádiz se generó el grupo de las cantiñas cuyo palo central es la alegría.
Algunas tonadas populares andaluzas, como los pregones, las nanas y campesinos cantos de trilla, tienen la misma métrica de las seguidillas flamencas. A partir de ellos pudo surgir la liviana y la serrana, que es una interpretación virtuosista y melismática de la liviana; de hecho, tradicionalmente se interpretan juntas. Este grupo de palos también pertenece la alboreá y la antigua playera, que se impregnó de la melodía de las tonás dando lugar a la siguiriya, que incorporó acompañamiento de guitarra.
PALOS.
Se conoce como palo a "cada una de las variedades tradicionales del cante flamenco".
Palos flamencos más básicos.
Alegrías.
Constituye el estilo flamenco que de forma más exacta expresa el sentir del entorno gaditano.
Bulerías.
Se distingue por ser un palo fiestero, con un ritmo rápido y redoblado y que se presta más que otros al jaleo y las palmas. Suele ser el baile con el que remata la juerga flamenca, donde formando un semicírculo, los bailaores, de uno en uno normalmente, salen al centro a bailar una parte de la pieza musical.
Fandangos.
Desde principios del siglo XIX, el flamenco adoptó rasgos de los fandangos andaluces, dando así lugar a los llamados “fandangos aflamencados”, que son considerados hoy en día como uno de los palos fundamentales del flamenco.
Tangos.
Los tangos están considerados como uno de los estilos básicos del flamenco, existiendo varias modalidades.
Sevillanas
Las sevillanas son un cante y baile típico de Sevilla. El baile uno más populares y conocidos de España. Las sevillanas se suelen bailar en pareja, al son de las cuatros coplas en que se divide.
Toque
La postura y la técnica de los guitarristas flamencos, llamados tocaores, difiere de la usada por los intérpretes de guitarra clásica.
Mientras el guitarrista clásico apoya la guitarra sobre su pierna izquierda de forma inclinada, el guitarrista flamenco suele cruzar las piernas y apoyarla sobre la que se encuentra más elevada, colocando el mástil en una posición casi horizontal con respecto al suelo.
Los tocaores modernos suelen utilizar guitarras clásicas, aunque existe un instrumento específico para este género llamado guitarra flamenca. Ésta es menos pesada, y su caja es más estrecha que la de la guitarra clásica, por lo que su sonoridad es menor y no eclipsa al cantaor.
Por lo general suele hacerse de madera de ciprés, con el mango de cedro y la tapa de abeto. El ciprés le da una sonoridad brillante muy adecuada para las características del flamenco. Antiguamente también se usaba el palo santo de Río o de la India, siendo el primero de más calidad, pero actualmente está en desuso debido a su escasez. El palo santo otorgaba a las guitarras una amplitud de sonido especialmente adecuada para el toque solista. En la actualidad, el clavijero más utilizado es el de metal, ya que el de madera plantea problemas de afinación.
Los principales guitarreros fueron Manuel Ramírez de Galarreta, el Gran Ramírez (Madrid, 1864-1920), y sus discípulos Santos Hernández (Madrid, 1873-1943), que construyó varias guitarras para el maestro Sabicas, Domingo Esteso y Modesto Borreguero. Asimismo destacan los Hermanos Conde, Faustino (1913-1988), Mariano (1916-1989) y Julio (1918-1996), sobrinos de Domingo Esteso, cuyos hijos y herederos continúan la saga.
Los tocaores usan la técnica del alzapúa, el picado, el rasgueo y el trémolo, entre otras. El rasgueo puede ser realizado con 5, 4 ó 3 dedos, este último inventado por Sabicas.
El empleo del pulgar es también característico en el toque flamenco.
Los guitarristas apoyan el pulgar en la tapa armónica de la guitarra y el dedo índice y medio sobre la cuerda superior a la que están tocando, logrando así una mayor potencia y sonoridad que el guitarrista clásico.
También se apoya el dedo medio en el golpeador de la guitarra para conseguir más precisión y fuerza a la hora de pulsar la cuerda. Asimismo el uso del golpeador como elemento de percusión dota de gran fuerza a la interpretación guitarrística flamenca. Se denomina "falseta" a la frase melódica o floreo que se intercala entre las sucesiones de acordes destinadas a acompañar la copla. Asimismo se habla de tocar o acompañar por arriba (usando la digitación del acorde mi mayor) y por medio (la mayor), con independencia de que se haya transportado o no con la cejilla.
El acompañamiento y el toque solista de los guitarristas flamencos se basa tanto en el sistema armónico modal como en el tonal, aunque lo más frecuente es una combinación de ambos. Algunos cantes flamencos se interpretan "a palo seco" (a capella), sin acompañamiento de guitarra.
Según el tipo de interpretación se habla de:
Toque airoso: vivaz, rítmico y sonoridad brillante, casi metálica.
Toque gitano o flamenco: hondo y con pellizco, usa preferentemente los bordones y los contratiempos.
Toque pastueño: lento y tranquilo.
Toque sobrio: sin ornamentos ni alardes superfluos.
Toque virtuoso: con dominio excepcional de la técnica, corre el riesgo de caer en un efectismo desmesurado.
Toque corto: pobre en recursos técnicos y expresivos.
Toque frío: carente de hondura y pellizco.
Baile
Ana GonzálezTanto el baile como la música flamencos incluyen un grado alto de improvisación personal, que toma cuerpo a través de las expresiones espontáneas de las emociones del intérprete en cada momento de la interpretación.
Con el floreciente desarrollo de la música flamenca surgió la igualmente rápida evolución del baile flamenco, que apareció por primera vez de manera reconocible como una danza estructurada en el siglo XVIII.
El zapateado flamenco es una parte esencial del baile flamenco. En el flamenco el bailaor se convierte en músico. Su instrumento musical son sus pies con sus zapatos de flamenco.
El zapateado flamenco tiene una técnica de baile bien específica.
Esta técnica incluye numerosos principios de baile, desde la postura corporal y el dominio del compás de cada palo flamenco hasta la musicalidad, la fuerza y la velocidad.
La percusión del zapateado flamenco consiste de sonidos que se producen al golpear el suelo con los zapatos. Estos sonidos se logran con las diferentes partes de los zapatos flamencos: la planta, la punta y el tacón. El sonido de percusión se crea con la suela de los zapatos y los clavos que llevan los zapatos en la punta y el tacón.
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